Oi, eu sou Brad Bird.
Roteirista e diretor de Os Incríveis 2.
Pensamos em fazer algo diferente desta vez.
Temos muitos comentários de diretores,
e, francamente, você já ouviu o suficiente.
Você precisa ouvir os animadores.
São os homens e mulheres que dão vida aos personagens.
Sem mais delongas,
os comentários dos animadores de Os Incríveis 2.
Obrigado, Brad. Te amamos!
Oi. Sou o Dave Mullins.
Sou Supervisor de Animação de Os Incríveis 2.
Sou o Alan Barillaro.
Também sou Supervisor de Animação.
E eu sou o terceiro, Tony Fucile.
Sou a Bret Parker,
Supervisora de Animação de 2a unidade
e de Multidões.
A nossa responsabilidade é a atuação dos personagens.
Em cada quadro, posicionamos os personagens,
refazemos as expressões
e tentamos fazer o espectador se conectar com os personagens
por meio da atuação.
A segunda unidade é uma equipe menor
que ajuda a construir o mundo
com personagens secundários.
Estamos aqui com o Toninho Rodriguez,
onde o filme anterior terminou,
e não vemos a hora de começar a comentar.
Não vejo a hora de ver o estádio cheio de gente.
A piada é que no primeiro filme não conseguimos encher o estádio.
Esta parte do filme é interessante,
pois rever algo que fizemos 14 anos atrás e...
Todos trabalhamos no primeiro filme. E incrível poder voltar.
Parece reencontro de escola.
Não parecemos mais velhos. Isso é demais.
Pois é!
Toda a animação que você viu no início
era animação nova.
Nós não reutilizamos do primeiro filme.
E nós fizemos a versão melhorada,
a versão que realmente queríamos
quanto à aparência.
Toninho Rodrigues está bem melhor neste filme
porque dá para ver que tivemos tempo para fazê-Io com carinho.
O bom de fazer sequências é poder refazer certas coisas.
Uma coisa que me incomodou muito no primeiro filme foi as máscaras
porque elas não estavam no primeiro filme.
Elas vieram após animarmos as cenas. Foi só aí que vimos as máscaras.
Animávamos as sobrancelhas, e elas ficavam legais,
colocávamos as máscaras, e era, tipo:
"Meu Deus! Que abominação é essa?"
Conseguimos consertar neste filme, e me deixa tão feliz.
Quem trabalhou no original
tinha uma lista enorme de coisas que queria consertar.
Me lembro que os fios de telefone eram um grande problema.
Passei semanas animando um fio de telefone.
O divertido de assistir
é que não vimos muitas das cenas
com iluminação e renderização finais e...
É como ver a vida passar na sua frente rapidamente.
São tantos momentos e lembranças.
Na animação, demoramos tanto
para criar essas coisas.
Pelo menos, um ano da sua vida.
_É_ - Exatamente.
Você vê um ano da sua vida passar em duas horas.
Vamos falar muito sobre prévias de animação.
A prévia de animação é aonde vamos para revisar o trabalho.
A prévia de animação é praticamente os animadores
mostrando para o diretor o que foi feito.
É como se os atores se reunissem e fizessem uma cena.
Neste filme, foi diferente, pois, para cada departamento,
havia uma prévia de animação.
Tem o departamento de efeitos, que faz os efeitos especiais.
Tem o departamento de personagens, que cria os modelos que animamos.
Tem o departamento de iluminação, que ilumina o filme.
Tem o departamento de layout, que faz as câmeras.
Então as prévias se tornaram importantes.
Havia edições, diálogos reescritos,
alterações e junções de cenas.
Cada departamento estava contribuindo, e não eram só prévias de animação.
Eram as nossas prévias, e foi aí onde fizemos o filme.
É legal ver o Escavador aqui,
outro personagem que revisitamos,
que era um personagem isolado em duas cenas.
Tivemos que voltar
e descobrir como ele realmente seria neste filme.
Ele entrou de última hora no primeiro filme.
Ele foi criado muito rapidamente.
Foi legal poder ter outra chance de fazê-Io.
Foi uma sequência divertida
para tentar entender o veículo dele
e o peso dele.
Nós percebemos, comparando, que era uma máquina
do tamanho de todo o nosso campus,
com quatro andares de altura.
Como isso vai passar pelas ruas
de forma verossímil numa velocidade que desse certo.
Foi um desafio interessante
de enfrentar nesta sequência.
É uma metáfora para o filme.
Você está numa cena intensa de ação que é fazer o filme
e não pode deixar o veículo do Escavador sair errado.
Esta sequência é interessante
porque, desde o começo, queríamos fazê-Ia logo
para os departamentos já penarem.
Tivemos que avançar rápido no filme.
Trabalhamos ao mesmo tempo.
Basicamente, animação, iluminação, multidão, efeitos,
o trabalho de todos ia se sobrepondo,
inclusive personagens e cenários.
Foi um ótimo jeito de testar
como íamos fazer isso em tempo recorde.
- Ótima animação da Mulher-Elástica. - É.
Mostra a atenção do Brad com o peso.
Não está apenas se mexendo. Você se preocupa com eles.
Significa que há peso.
Há situações perigosas em que eles podem se ferir.
Como esta cena agora.
Acho que foi um momento divertido para os animadores usarem
a nova versão dos efeitos do Gelado,
e ver como iria ficar
e como isso mudou do primeiro filme.
Começamos a testar mesmo os animadores
com relação ao que podiam fazer,
e vemos Beto tentar empurrar esta máquina gigante.
Ele empurra, e ela só se mexe um pouquinho.
Também foi um desafio entender a física
de amassar os carros direito
e fazê-los serem arremessados pelo ar.
Algumas coisas foram animadas com muita rapidez.
Bill Watral dos efeitos especiais mandou muito bem e disse:
"Está meio rápido. Sei que fica legal na tela."
Nós desaceleramos e pusemos voando pelo ar
de uma forma mais verossímil.
Dave animou muitas cenas da Mulher-Elástica no primeiro filme.
Se você era um animador novo em Os Incríveis 2,
recebia muitas visitas do Dave,
e ele jogava elásticos em você.
Fiquei muito feliz com a animação dela.
Há muita linguagem nova de formato com ela,
no que diz respeito a como ela joga os braços e tal.
Acho que não foi só repetir o que fizemos no primeiro filme.
É uma continuação, e ela tem habilidades novas.
Eles vivem no mundo criado no primeiro filme,
mas eles vão além,
o que foi muito divertido e interessante de descobrir.
Mesmo sendo super-heróis,
nos esforçamos muito
para os espectadores terem empatia pelos personagens
e saberem que há perigo iminente.
Brad fala muito
que se eles podem levar uma martelada na cara
e rirem disso,
você nunca vai se preocupar com os personagens.
Parece que sentem dor de verdade.
Isso é bom. Há um pouco de dano.
Em CG, a interação com objetos requer um carinho extra
porque não há toque.
Pode fazer a mão atravessar o teto do carro,
os pés do Beto atravessarem o veículo,
Gelado atravessar o gelo.
Não há nada físico.
Temos que colocar manualmente,
e é muito difícil fazer
com que pareça que estão encostadas.
Quando entrei na Pixar, anos atrás,
o contacto era, tipo: "Cuidado com o contacto."
O toque é um instinto que os animadores têm.
Não ter isso é um desafio.
Quando os personagens encostam, se abraçam,
eles se deformam e se mexem,
e tem o cabelo e tal, tem o tecido,
tem muito trabalho
para fazer parecer
que eles estão se abraçando e se encostando fisicamente.
Assim como estão se encostando aqui,
quanto mais você acreditar
que estão mesmo se tocando,
mais real fica.
E a interação com objetos...
Dá a sensação de que você está no mundo.
Dá base à atuação.
Dá muito trabalho fazer coisas
que simplesmente fazemos no dia a dia.
Envolve matemática.
Para a garotada que quer ser artista
e acha que matemática não tem a ver com animação,
tem que aprender matemática, é sério.
Tecnicamente, no primeiro filme, foi por isso que evitamos contacto
a todo custo.
- Mas melhoramos. - É.
- Agora podemos fazer isso. - É.
Esta cena se chama "Descartados".
Foi interessante porque ia entrar no filme,
depois ia sair, depois metade dela voltou,
e havia uma sequência inteira no fim.
Um outro policial estava repreendendo as crianças em outra sala.
Achamos que diminuía muito o ritmo do filme.
Isso faz parte do processo de animação.
Às vezes, você está animando uma sequência,
e ela é cortada, mas torcemos para aparecer no DVD.
Esta cena estará no DVD.
Então confira.
Esta parte é incrível,
a atenção aos detalhes voltados para o caminhão
e para como, enquanto ele se desloca,
há alguns solavancos.
É aquilo de que Brad fala
de como criar um momento verossímil no filme.
Quanto mais momentos assim,
mais você investe nos personagens
e mais se importa com a história.
Esses pequenos detalhes vão se juntando,
e o resultado inconsciente é: "E um mundo real.
"Parece um lugar verossímil."
Ficamos preocupados com os personagens.
Esta cena é um tributo ao Bud Luckey
porque ele fez a voz do Dicker no primeiro Os Incríveis.
Foi uma grande tristeza para nós
ele não poder fazer novamente a voz do Dicker
no segundo filme.
Bud Luckey também dirigiu Pular
e fez víamos curtas da Vila Sésamo
que vimos na infância.
Ele é uma pessoa...
Era uma pessoa adorável e um criador incrível.
- Artista de história por anos, aqui. - É.
Esta cena é para você, Bud.
Esta cena é óptima.
Foi a primeira que animamos
com todos os personagens juntos.
Nós solucionamos muitas coisas nesta cena.
Já vimos Violeta, Flecha,
Zezé, já vimos todos eles,
mas, ao animar esta cena, havia muitas coisas
que redescobrimos acerca do encanto dos personagens.
Acho que nesta cena nós definimos e dissemos:
"Esta será a aparência dos personagens.
"O charme deles será este."
Os animadores deram duro para incorporar as notas do Brad
e tentar inserir nos desenhos do Tony.
- Havia várias pessoas nisso. - É.
Foi um desafio manter a consistência.
Adorei o trabalho que o animador fez com o Zezé.
Não chama a atenção,
mas, quando vê pela segunda vez,
você nota todas as reações e o jeito que mastiga o brócolis.
Tem a cena em que Beto não consegue pegar o brócolis com o hashi.
Colocamos na animação, o brócolis caiu umas seis vezes,
tipo: "Agora, na cena, Beto vai derrubar o brócolis."
Nós colocamos fundo, mas não bastou.
- Tivemos que pôr ainda mais. - É.
É alguma coisa que passa no fundo.
A atuação nesta cena é fenomenal.
É o que eles não fazem que é impressionante.
A simplicidade de algumas poses que não é fácil de encontrar,
mas a regra geral é "menos é mais".
Brad sempre pedia para cortar excessos
e pôr o foco na base da cena,
o que mostra como ele é um ótimo ator e diretor.
Ao trabalhar com Brad, é algo rápido,
e tem um pouco de improviso no fluxo de trabalho.
Não se pensa demais nas coisas com Brad.
Ele é ótimo, é um diretor de ator.
Você segue o instinto e não perde tempo.
A iguana monstruosa gigante na TV no fundo,
o modelo, na verdade, é o Sr. Jones, a iguana de Toy Story de Terror!
Transformamos num monstro gigante.
Esta cena é óptima.
É difícil fazer uma cena desta
só do ponto de vista de atuação.
Helena e Beto perderam tudo
e estão conversando em particular à beira da piscina.
É um ótimo exemplo para alunos de cinema
de iluminação e ambientação,
eles estão tristes e azulados, e filmamos à beira da piscina.
A atuação é contida. É tão fácil se deslocar.
Uma questão do Brad é que não dá para impressioná-Io.
Ele e um diretor que entende muito de animação,
e dá vontade de fazer uma cena muito complexa,
mas você rapidamente desiste
e tenta extrair a ideia principal de cada cena.
É o grande exemplo de manter quase uma pose única,
e depois atuar nela.
Não se está indo para lá e para cá, como disse,
e, sim, mantendo quase uma única pose.
Parece muito simples, e fica muito bom.
Conversamos muito sobre a câmera nesta cena.
Os animadores animam para a câmera...
Nós criamos uma atuação,
e Brad começou a mudar a atuação.
Os animadores mandaram bem se ajustando às câmeras novas...
Ele pega ações incríveis,
como o cartão sendo passado de mão em mão.
Foi o animador que teve essas ideias incríveis.
Vendo agora, parece simples e fácil,
mas O processo
não foi simples nem fácil.
Na verdade, foi uma bagunça.
No final, você vê e diz: "Deu tudo certo."
O fato de Flecha estar vidrado na TV e não prestar atenção
é por atenção à atuação.
Brad queria que todos
trouxessem algo pessoal.
Todos fomos irmãos, pais ou coisa do tipo.
É preciso incorporar suas experiências de vida.
Uma curiosidade: este é o cantor Usher.
É um momento engraçado.
Na animação, primeiro gravamos a voz dos atores
e fazemos a animação com base nisso.
Fazemos isso provavelmente 95% das vezes.
Às vezes, usamos dublagem, mas é raro.
Dublagem é quando o ator assiste à cena que foi animada
e tenta fazer o oposto e encaixar naquilo.
Às vezes, fazíamos a animação com a voz do Brad.
No meio da construção do roteiro, nós alterávamos uma fala.
Ele dizia: "Eu faço a fala e terminem logo.
"Eu vou correr contra o tempo para conseguir a fala."
Isso mostra o quanto do filme está na cabeça do Brad.
Bob Odenkirk é a voz do Deavor
e ele fez um trabalho fantástico.
Ele tem uma qualidade musical que torna divertido animar.
Esta cena... Nossa!
Ela foi tensa.
- Para vários departamentos. - É.
Foi um nível novo de simulação
-e animação. - Passa tão rápido.
- Deu tanto trabalho. - Pois é! Meses!
A apresentação de um personagem sempre é difícil.
Estamos tentando descobrir como apresentar Evelyn.
Você já deve ter visto o filme
e sabe que ela é a vilã,
mas se mostrar isso cedo demais, vai ser muita dica
e vai tirar a graça da surpresa,
mas, ao mesmo tempo, precisamos fazer com que seja
um personagem com vários defeitos
que vão fazer com que ela seja a vilã do filme.
Acho que os animadores acertaram
ao mostrar isso sutilmente no começo
e revelando aos poucos a personalidade dela.
Se vir o filme de novo,
você realmente percebe quem é Evelyn.
Esperamos que não perceba na primeira vez.
E esperamos que já tenha visto o filme.
Vamos dar vários spoilers.
Nena de spoiler!
Esta cena foi complicada.
Quando o animador anima,
ele não vê o reflexo,
ele não trabalha com o resultado final.
É.
Tem muitas idas e vindas.
É divertido ver o contraste entre os irmãos.
Evelyn está quase com as mãos na cintura
O corpo dela está mais solto que o dele.
Ele é mais rígido.
Ele é um showman, ele é performático.
Ela se esconde mais nas sombras. Para os animadores, é ótimo
ter personagens bem definidos.
O roteiro do Brad dá suporte para isso.
E a interpretação vocal que ele extrai dos atores
cria personagens únicos.
A atuação de Odenkirk é incrível.
Você enxerga a personalidade dele.
Pegar uma atuação de voz óptima
e deixar tudo deste jeito é incrível.
Nesta cena, Wilson Deavor é o foco.
Brad queria tirar a atenção da Evelyn no início do filme
porque ela será a vilã,
e não quer entregar isso cedo demais.
A intenção é escondê-Ia no fundo.
Ela é quem está por trás de tudo o que está acontecendo.
Isso se reflete até no figurino dela.
Quando a virmos nesta sequência,
o figurino é bem monótono, em tons de terra,
bege_.
Outra coisa que cria isso nesta cena
é aquele olhar que Helena e Evelyn trocam.
É a primeira vez que se encontram, e elas têm um momento à parte.
Adoro que não é nada de mais,
mas é o reconhecimento de respeito entre duas mulheres.
É um momento interessantíssimo,
mas também criado para ajudar a despistar.
Você tem a sensação de que eles vão ser amigos.
Eu adoro que eles não saem do personagem,
o que é enfatizado pela reação do Beto comparada a do Gelado e da Helena.
Tem um grande contraste na atuação entre eles.
Vendo a língua do Deavor no diálogo desta cena,
me lembro de como Brad era específico quanto a línguas...
Nós tínhamos a tal da "boca de limão",
que era algo que Brad e Tony odiavam.
É basicamente uma boca que parece perfeitamente simétrica,
tipo, bola de futebol americano.
Quando se tem isso numa cena,
ele era sincero e dizia:
"Tem que consertar a boca de limão!"
Pusemos vários controles na boca para ela ficar assimétrica
e mais parecida com um desenho.
Se vir uma boca totalmente simétrica, foi erro nosso.
- Pedimos desculpas. - Pedimos desculpas.
Esta cena é óptima. A criação foi pessoal.
Foi animada por um casal, Dave e Jessica Torres.
É um exemplo perfeito de como Brad Bird dirige.
Transmite-se uma sinceridade
quando você se conecta ao material.
Engraçado que esta cena foi a mais pedida pelos animadores.
Eles queriam animar esta cena.
É nela que todo o conflito
entre Helena e Beto é exposto no filme.
Você vê o tema central do filme nesta cena.
Os animadores ficam atraídos naturalmente
porque é onde está a parte principal do filme.
Houve várias conversas entre nós
sobre como um casal agiria nesta situação.
Antes Beto parecia
alguém que estavam sendo um babaca com Helena,
e tivemos que refazer a animação
até ele parecer mais frustrado consigo mesmo
do que com Helena.
Tudo é frustrante para ele,
mas ele estava mais frustrado consigo mesmo.
Foi uma fala muito delicada para animar
e achar a linha entre os dois para que ambos passassem emoção.
O texto também foi difícil.
Brad fez vários ajustes.
- Tivemos várias versões. - É.
Achar o equilíbrio entre irritação e competitividade,
mas sem ser um babaca.
Acho que esta cena foi três vezes para produção na animação.
- Foi a primeira cena na produção... - É.
Como atores, não era a cena com que se queria começar
porque é bom se aquecer para ela.
Acho que, após a primeira prévia, Brad chamou a mim e ao Tony...
Dave ainda não participava
porque estava no curta Lou.
Ele pensou se devíamos fazer uma pausa para nos aquecermos para esta cena.
Isso mostra que queremos desenvolver o personagem
sem mostrar para os espectadores onde está se aquecendo
e guardar a energia para as grandes cenas.
Esta cena é interessante. E a apresentação da casa.
A casa é um personagem em si.
Tem todas as partes com água e tal.
O set é incrível.
Ele representa que todo o luxo na vida deles
também é um problema para eles.
É o oposto deles.
Acho que eles são mais simples, e esta casa é uma loucura.
Brad diria que é a casa que eles acham que querem.
- É. - Mas descobrem que não é para eles.
Brad tinha ido a Nova York... Ou foi Ralph Eggleston?
Ralph Eggleston era nosso designer de produção
Eles estavam em Nova York, e tinha um flat
feito especificamente para um cara
que vivia recebendo gente em casa.
Era uma casa perfeita para um homem solteiro,
mas era terrível se tivesse uma família.
Brad queria criar essa ideia
de que teriam que lutar contra a casa.
Ao longo do filme, isso gera muitas cenas cômicas.
E quando chega no Ataque da Casa,
a casa vira um personagem que fica contra eles.
Flecha mostra rapidinho por que não funciona.
- Para qualquer família com crianças. - Exato.
A roupa nova da Helena.
Adoro a atuação nesta cena
porque exemplifica a total frustração da Helena
ou o constrangimento da roupa nova.
Nesta cena, procuramos todos os animadores de motos
e confiamos cegamente neles.
Com certeza. Direto da Arte e Design.
Veja as proporções da Helena
e terá um exemplo
de como criar uma moto
confortável para ela.
O tamanho da cabeça, a relação dos quadris e as pernas longas.
Ela é feita para ela.
Quando se está criando a moto,
é preciso sempre comparar com ela.
É fundamental.
Se olhar o que ela faz com a moto,
como ela lida com o acelerador,
como ela usa as marchas e tal.
Se esta moto existisse, é assim que seria pilotada.
Os animadores foram incríveis com o nível de detalhe.
Quando se cria verossimilhança,
você se importa com os personagens.
São detalhes maravilhosos.
Kureha Yokoo, uma animadora daqui,
participou bastante
da pré-produção da criação da moto
e depois ela e John Walker,
que é um dos produtores, são pilotos.
Foi divertido ter o conhecimento deles,
e eles ensinaram os animadores
a como fazer a animação do avião.
Tanto nesta sequência quanto mais tarde
quando fica ainda mais complicado.
Ótima especificidade nesta cena de café da manhã.
Foi a primeira cena que fizemos?
Foi uma das três primeiras.
Não devíamos falar sobre isto,
mas a caixa de cereal não parava quieta.
Parecia que havia um gremlin no sistema.
Eu dizia: "Acabei de pôr essa caixa no lugar!
"Por que está flutuando?"
Tem muita animação legal acontecendo,
devíamos estar falando disso, mas essa caixa!
- Meses discutindo a mastigação. - É.
Brad sempre falava da atenção aos detalhes
e da importância do formato da boca.
Ele falava sempre do Milt Kahl.
Um dos Nove Velhos da Animação da Disney e mentor dele.
Ele falou de uma cena do Frei Tuck.
Frei Tuck ia tomar algo da colher, e o formato da boca estava perfeito.
Estava lindo, mas Milt Kahl estava frustrado
e dizia que havia um erro.
Se prestar atenção no som,
ele não está fazendo um formato de "uuh",
e sim um formato de "iuh", e eles reanimaram.
E isso representa
o que tentamos fazer com Brad em cada cena.
Tem coisas incríveis que precisam ficar de fora
porque não são apropriadas para aquela cena.
Adorava como Brad destacava
que, ao parar uma cena de live-action num quadro específico,
geralmente o ator está fazendo uma expressão exagerada
e talvez que não seja atraente nesse quadro específico,
mas ao reproduzir por completo, a cena fica linda.
Na verdade, é preciso esse "quadro feio"
para obter o resultado final.
Às vezes, acredita-se que se busca perfeição,
mas, muitas vezes, busca-se a imperfeição.
A escolha de o secador soprar o cabelo dela para cima
foi outro momento divertido e espontâneo.
O cabelo tem opinião própria.
- É. Exatamente. - É, tipo... E depois...
Depois cai.
O movimento do lábio.
O conhecimento nesta cena ao pôr o Zezé para dormir
e saber que é um pai segurando a cabeça,
em vez de apenas soltar a criança.
"Matemática nova."
É muito engraçado porque lidamos com isso na Califórnia.
O sistema escolar com estrelas e tudo mais.
Eles mudaram a matemática.
Ao ver, disse: "Isso é novidade para mim."
Me sinto assim como pai.
"Mudaram a matemática? A matemática é igual e pronto."
Eu não entendo a matemática nova.
Só para deixar claro.
Não entendo nada.
Sentimos a frustração. Sabíamos fazer emocionalmente.
Muitos de nós entendiam essa cena por dentro e por fora.
É uma cena óptima
para ver o formato de bocas, o que Beto está fazendo aqui.
Tem designs óptimos na boca e no rosto.
É uma cena legal, simples e muito bem concebida.
Esta é a sequência do Trem Desgovernado.
Foi uma das primeiras
sequências com multidão que fizemos.
Vocês fazem algo
que a plateia geralmente não nota,
que é direcionar constantemente nosso olhar,
nos dizendo onde olhar,
onde o foco deve ser, o que parece fácil, mas não é.
Tem muito trabalho de câmera
para garantir que a multidão ajudasse
a guiar o olhar
sem depreciar o momento heroico da cena.
Você os nota e não ao mesmo tempo.
Uma das diversões nesta sequência
não foi só animar a multidão,
mas tem muita história e detalhes secundários.
Há pessoas à parte caminhando no parque.
Há pessoas brincando de pega-pega no campo ao fundo.
Que legal!
Pessoas andando de moto, pulando para desviar da ação.
Tentamos preencher o mundo de forma realista.
Elas reagem ao que acontece com Helena, a moto e as sirenes.
Vamos entrar na perseguição.
Bela batida. Foi um ótimo detalhe do animador.
Algo que queremos lembrar a todos
é que isso não surge do nada, não existe.
Tentamos acrescentar esses detalhes de realidade
e as pequenas escolhas tomadas no momento.
Fazemos isso durante meses para uma única tomada às vezes.
O engraçado com as tomadas da moto, e com a cena toda também,
é que acontece tanta coisa tão rápido,
que a clareza é de extrema importância
para poder fazer uma cena destas,
que apresenta a moto que é magnética, elétrica
e que se separa e trabalha em conjunto com Helena.
Nós conversamos muito sobre como fazer isso
e como fazer de uma forma clara e simples.
A ideia de que a moto pode se separar
e depois se junta rapidamente
para aumentar o impulso
ou fazê-Ia atravessar uma janela e pousar nos prédios.
Houve muito investimento por parte dos animadores
para descobrir como é a física disso e como tornar isso verossímil
Brad falou bastante que não queria essa cena clara
como quando ela oscila na viga.
Nada era para ser claro.
Era para tudo ser um pouco turvo.
Era para ela exagerar um pouco e bater na janela.
Esse tipo de coisa, quando ela está fora de controle,
quando seu herói está fazendo de tudo
para que a coisa dê certo,
é aí que parece real, e você se conecta com o personagem
porque nos conectamos com o esforço.
Se fosse fácil para o personagem, você não torceria.
Não tem luta nem conflito.
Este é o grande exemplo da Helena se desdobrando,
tentando parar o trem,
e ela está fazendo tudo o que pode, mas não está conseguindo.
É um fracasso atrás do outro, e ela mal consegue se proteger,
e é isso que deixa empolgante.
Tem muita coisa para analisar
acerca da direção e das informações que Brad lhe passou.
Coisas pequenas, como o trem ainda está no quadro
para dar clareza, mas pouco trabalho,
e assim você sabe qual é o objetivo do personagem.
A tomada em que ela corre para trás contra o vento
foi muito difícil
porque ela corre, mas tem a resistência do vento,
e ficou legal.
A sensação do vento e da atmosfera neste filme
realmente mostra a velocidade.
Há várias cenas em que vemos isso.
Tem no fim do filme também.
Uma das coisas que deu trabalho foi a velocidade no filme,
fazer com que o trem parecesse rápido o suficiente.
Colocamos a 240 km/h
e achamos devagar demais.
Depois 500 km/h, depois 650 km/h,
e acabamos fazendo essa velocidade de filme
nessas grandes estruturas.
Aconteceu o mesmo do trem com o veículo do Escavador.
É o caso que falaremos sobre o fim do filme
com o barco, o Hydroliner.
Brad adora o cara morrendo de medo debaixo do trem.
É um dos grandes exemplos
de tentar criar uma historinha dentro da cena,
mas sem roubar o foco.
Ele falou da história da faculdade de quando ele era ator.
- É. -"Não deixe tão interessante."
"Não tire o foco do ator principal."
O instinto é fazer tudo isso, mas é preciso se concentrar na cena.
Vamos falar sobre como é difícil fazer andar?
- Vamos admitir? - É.
Principalmente quando andam em direção à câmera.
- É o pior de tudo. - O mais difícil na animação.
Talvez seja coisa da Pixar. Sei Iá.
Principalmente em Os Incríveis,
fazer o personagem andar em direção à câmera.
Não era para ser tão difícil.
Por que é tão difícil fazer com que fique bom?
As proporções são estranhas. Eles são empurrados.
Ele tem a parte superior enorme e pernas curtas.
Isso é um desafio.
É uma grande cena onde Beto começa a achar
que não está fazendo o melhor trabalho com a família,
que esta função é mais difícil do que ele imaginava.
Ele começa a ficar frustrado,
e isso perdura durante o filme.
O arco dele é achar que dá conta, que é o Sr. Incrível,
mas depois percebe a dificuldade
que será.
Esta cena com os ladrões foi refeita várias vezes também.
Brad queria
que a ação na tela no filme antigo
e a ação do guaxinim fossem realmente iguais,
e foi surpreendentemente difícil de fazer.
Aqui Brad acertou desde o começo.
Sabemos que é uma cena com um guaxinim
que podia ficar muito coisa de desenho,
e poderíamos perder muita verossimilhança.
Conversamos muito no começo,
tipo: "Espere aí.
"O guaxinim está atacando o bebê.
"Um bicho desses estraçalharia um bebê."
E tentamos achar o equilíbrio
entre o Zezé realmente dar uma surra no guaxinim,
senão seria devorado pelo animal.
Foi um desafio.
Foi um desafio fazer parecer que o Zezé não ficaria ferido nisso.
Ele tinha dito antes que teríamos que começar a cena
e ir de trás para frente com o Zezé
para saber se chegaríamos aqui e sentir se seria plausível.
Houve uma explosão de bebês aqui na Pixar,
e todos tinham os filhos como referência.
Então tentamos dar base à cena.
Só a experiência do Brad para mostrar que precisamos começar uma cena destas
e ir de trás para frente.
A cena em que ele vira gosma.
Acho que você, Tony, pode falar sobre a parte gráfica
-e o processo. - As dificuldades.
No início, ia ser um efeito.
Acho que tentaram fazer uma coisa, tipo, gelatina.
Era vívido e realista demais.
Ficou nojento.
Fizemos isso praticamente quadro a quadro.
Bolhem Bouchiba e Alonso Martinez juntos fizeram boa parte.
Eles praticamente esculpiram cada quadro.
- Em cima da animação do Tim Pixton. - Isso mesmo.
Esta cena foi praticamente um minifilme em si,
mas ficou óptima.
É um ótimo exemplo de onde usar ferramenta de desenho
para desenhar em cima do bebê-gosma
diretamente no computador sobre as cenas que estamos animando.
Tradicionalmente, teria sido feito em papel e caneta.
Poderíamos usar os desenhos para fazer o trabalho de criação
que precisa ser feito.
É um jeito muito direto de fazer uma alteração.
Como a "boca de limão".
Ao descrever, todos dizem: "O que é 'boca de limão'?"
Aí você desenha, e eles: "Entendi. Então é isso."
Isso aconteceu em Divertida Mente,
onde você era o artista de esboço.
É uma óptima combinação de 3D e 2D.
E sempre tendo uma visão gráfica com esses personagens
e aonde pode levá-los.
As pessoas dizem: "Fico surpreso que você desenhe."
Eles não sabem como o desenho faz parte de tudo que fazemos.
Nós desenhamos só para podermos nos comunicarmos.
É mais fácil que fazer um comentário.
Muito mais fácil!
Esta cena com Beto e Helena,
para mim, deu muito certo e ficou interessante.
Na verdade, não foi o mesmo animador
que fez Beto e cortou para Helena.
Uma pessoa se concentrou apenas na Helena e no arco dela,
e outro, neste caso, outros animadores fizeram Beto.
Os animadores estão todos no mesmo barco.
Eles são atores e estão numa posição vulnerável
de sempre tentar se expressar todo dia.
Eu acho que quase sempre
é representado por algo que surge facilmente,
e muito disso é confusão e o fato de um contar com o outro.
Quando começo uma tomada, eu vejo a direção e penso:
"Meu Deus! Vão descobrir como eu sou ruim.
"Vai ser agora."
- Isso nunca acaba. - Não.
- Para os iniciantes... - Nunca!
Sempre fico nervoso nas prévias.
"Vão me notar agora.
"Não sei o que estou fazendo."
Todos se sentem assim
porque você está cercado de pessoas talentosas aqui na Pixar
e você acha várias vezes
que só é tão bom quanto a última tomada.
Tem óptima fisicalidade aqui com Helena.
O jeito como ela está na cama.
É fácil ficar duro,
mas Michal Makarewicz fez a cama balançar com o peso dela.
Toda vez que ela se mexe,
os travesseiros e a cama se mexem.
Novamente, tudo isso ajuda
a dar realidade ao personagem.
Quando ela está correndo e lutando contra o Hipnotizador,
você sente que ela corre perigo
porque ela parece real e verossímil
Nesta cena, parabéns para a Simulação
pela interação com o cobertor,
uma outra mudança do primeiro filme,
quando não podíamos interagir com a roupa ou o cobertor.
Não podíamos tocar no cabelo.
Era complicado. Talvez uma tomada.
Agora podemos trabalhar com o Departamento de Simulação.
Podemos trocar figurinhas, e isso cria um mundo novo.
A seção inteira da matemática
foi feita pelo animador Jean-Claude Tran.
Primeiro, ele fez tudo em 2D.
Com a ferramenta de desenho, dá para animar
com desenhos na tomada, o que é bem legal.
O bom de quando se trabalha com Brad
é que você mostra desenhos-chave rapidamente
e ele sabe qual é sua intenção com a cena
e segue com suas alterações.
Tem tanta coisa nesta cena com o Toninho e Violeta.
Foi outra cena que começamos cedo
a montar os personagens e achar o encanto do Toninho.
Houve muita discussão sobre isso.
A reação dele com Violeta,
que está muito vulnerável aqui.
Muitas vezes, na animação, queremos suavizar os arcos
para que tudo se mova de forma linda e suave.
O que eu adoro é que Violeta não tem arcos perfeitos o tempo todo,
e isso acrescenta à espontaneidade da busca dela por seus sentimentos.
Tentamos começar com uma escola lotada
com adolescentes agindo normalmente
e também casais constantes,
mas então Violeta fica cada vez mais desconfortável
e sai sozinha e em silêncio
para reforçar a ideia de isolamento.
Chad é provavelmente
um dos personagens secundários favoritos do filme.
É incrível como alguns personagens secundários
se tornam os favoritos para animar.
É porque você tem mais liberdade.
Não tem histórico. Não sabemos quem eles são.
Acho que era um personagem divertido para todo mundo fazer.
E temos Isabella Rossellini, como a Embaixadora.
A atuação vocal dela é tão efusiva
que é preciso deixá-Ia mais animada.
Acho que a cena é tão constrangedora.
Brad falou sobre duas pessoas se encontrando
que se conhecem por causa da fama,
querem demonstrar respeito
e há um momento constrangedor entre elas.
Ela realmente trouxe vida à cena.
Para mim, de qualquer maneira, no storyboard, na preliminar, nunca...
E aí Isabella Rossellini
trouxe vida à cena.
Temos Chad de novo. Ele é hilário.
David Devan fez as primeiras versões definindo o personagem
como um apresentador maluco e brega.
Ele acertou em cheio.
E aí você vê que ele fica totalmente duro.
Houve muita discussão
sobre quando mostrar a luz no rosto dele,
quando ele estava sendo hipnotizado,
porque Brad não queria revelar a piada cedo demais,
que ele estava sob hipnose, então ele precisa agir estranhamente.
Ele queria que fosse esquisito no começo.
E houve uma alteração também.
Mais para frente no filme, temos pessoas ativas sob hipnose.
Então, foi, tipo: "Elas estão hipnotizadas,
"mas não queremos duras demais como zumbis."
A próxima cena é incrível.
Foi a primeira que levamos Helena ao limite.
Muitos animadores deste filme viram o primeiro
e disseram: "Helena se estica assim."
Tivemos que desafiá-los e dizer:
"Mas queremos que ela vá além."
Há uma especificidade em como ela estica,
em como os braços funcionam, e se ela vai lançar o braço,
ela precisa jogar como uma bola de beisebol.
O que fiquei martelando na cabeça das pessoas
foi que ela só estica se é preciso.
O que se veria numa cena como esta
é que ela esticaria os braços para pegar algo,
mas aí esticavam o corpo e as pernas,
e eu dizia: "Não."
Ela só estica o necessário
porque ela fica mais fraca.
Quanto mais longo o braço,
menos força ela vai ter nele.
Ao vê-Ia esticar, há uma lógica por trás.
Acho que os animadores arrasaram nisso.
Faz sentido e fica lindo esteticamente.
Esta cena foi muito complicada porque as pessoas não percebem
que não estamos fazendo só os personagens,
também fazemos os helicópteros.
Foi um caos controlar a coreografia dos helicópteros num set em movimento,
a velocidade deles, a física para deixá-los reais
e também a continuidade por toda a sequência
foi um grande desafio.
Brad voltou dos filmes de live-action.
Antes ele usava a câmera como base para tudo
e como isso seria realmente filmado
para parecer que está na ação
e não num universo de computação gráfica.
Quando ele tira o waffle, dá para ver que está quente
não porque ele grita,
mas é uma confirmação sutil de como a máquina está quente.
É um dos exemplos de como vemos o cabelo da Violeta.
Ela tem sei lá quantas variações de cabelo,
mas faz parte do personagem.
A criação do cabelo é incrível neste filme.
Diz muito sobre o estado do personagem no momento.
E só da oportunidade de ter um roupão,
para destacar Beto
e como ele está indo como pa¡ neste momento.
É o roupão do meu pai.
- É? _E Eu achei familiar.
E Ralph disse: "Eu usei o roupão do seu pai."
O Designer de Produção, Ralph,
passou um tempo na minha casa há 30 anos.
A cena da Helena na Iimusine foi adicionada tarde.
Foi uma daquelas cenas, tipo: "Uma hora a gente chega nela."
Já tínhamos quase acabado quando fizemos esta cena.
Brad achou importante ver Helena se conectar
com as pessoas que queriam os super-heróis de volta.
E tem um momento em que uma garotinha:
"Você ainda..."
A garota não fez a placa, foi a mãe,
mas isso mexe muito com Helena
e afeta muito a cena seguinte
porque, sem ela, não teria tanto impacto.
Tem uma curiosidade aqui onde Deavor grita:
"Ellenwoodl Depois eu ligo."
Amy EIIenwood é assistente do Brad desde...
Com certeza, desde o primeiro Os Incríveis.
Pelo menos desde o primeiro.
Eles trabalham juntos há muito tempo,
e foi uma homenagem do Brad para Amy.
Foi aí onde comecei a me apaixonar pela animação.
Fico em silêncio porque você vê cada detalhe da atuação
e todas as escolhas.
O jeito que ele a pega.
Depois a visão de cima para estabelecer a cena.
Muita coisa para apreciar.
Uma coisa que cuidamos muito neste e em todo filme são as mãos.
Nós temos um tamanho padrão de mãos,
mas, às vezes, pareciam grandes demais,
dependendo do ângulo ou o que fazia com elas.
Em especial, com Deavor, pois teve muitas variações das mãos,
aumentando e diminuindo.
Geralmente, tem relação com o rosto.
Exatamente. Fica bom em comparação com a calça.
Adoro essa estética de design.
Essas regras que são consistentes no mundo,
mas, quando fica perto do rosto,
você altera as proporções um pouco
e deixa as mãos menores.
É uma grande dica para o CG não aceitar o que o computador dá.
É uma óptima cena com os futuros heróis.
São os heróis que idolatram o Sr. Incrível,
Gelado, Mulher-Elástica e os super-heróis antigos.
Eles estão percebendo seu potencial agora
e descobrindo os poderes e o que podem fazer.
Adoro essa personagem nova.
Acho que a Voide é fantástica.
E a atuação da Sophia Bush é incrível!
É interessante a apresentação de todos.
Vemos o poder do Helectrix, vemos o Esguicho,
e, sabe, Brique.
São alguns dos personagens mais divertidos de animar do flime
porque são mais unidimensionais,
o que os torna mais caricatos,
e isso é sempre mais legal de animar.
Espero ver esses personagens na Comic-Con.
- É. - Seria incrível.
Quero muito ver uma Brique.
- E ver a indigestão do Esguicho. - Ele é demais. É.
O velhinho.
Não sei se quero ver isso.
Falando em diferença de tamanho,
esta tomada de elas segurando o martíni foi hilária.
Mas a simulação do líquido foi uma simulação divertida.
Tentamos manter a continuidade
se havia cubos de gelo.
É um pequeno detalhe
que não se nota, mas contribui muito.
Esta cena é interessante também
porque estamos mostrando esses personagens,
e temos que apresentá-los rapidamente
e desenvolver as relações bem depressa,
e os animadores mandaram muito bem.
E, neste momento, Violeta e Evelyn
-começam a... - Quis dizer Helena?
- Violeta e Evelyn? - Helena.
Interessante.
O que mais vê? Vamos começar uma terapia.
- Violeta está invisível. - É.
Enfim, onde se vê Helena e Evelyn. Hevelyn.
São duas personagens fortes
que têm opiniões próprias e firmes
acerca de como o mundo é...
É uma conversa casual,
-mas tem uma profundidade velada. - É.
Elas têm opiniões divergentes,
que estão compartilhando de forma respeitosa.
É um ótimo exemplo de como os animadores escolhem
confirmar personalidades diferentes por como estão sentadas.
Acho que todas as poses nesta cena são muito fortes.
A atuação que se consegue na cena
é tão específica e tão fantástica.
Dá para saber o que move as personagens nesta cena.
Novamente, o que me impressiona é o que elas não fazem.
É o fato de estarem contidas.
Numa animação, você logo quer dar movimento,
quer manter o personagem se mexendo, e acaba fazendo um desserviço.
Se tivéssemos mais tempo, teríamos simplificado mais.
Tentamos resumir o tema das cenas,
o que os personagens sentem no momento.
Brad falou que... Elas quase poderiam ser amigas.
Elas seriam amigas
se não fosse o sistema de crença
que as diferenciava.
Era para ser um momento bem autêntico.
Acho que funciona e faz você gostar delas.
Adoro que, ao vermos Dicker, ele já está de férias.
- Ele já foi embora. - Com a camisa havaiana e o coquetel.
No escritório do Beto, ele ainda está desempacotando.
Ele está com o traje da casa antiga,
que pegou fogo e ainda...
Ainda está no armário com os danos do incêndio.
O quadro do fundo está queimado
que estava no escritório antigo que pegou fogo.
É um contraste entre alguém saindo de onde mora
-e alguém que está entrando numa nova. - É.
Vamos para o Bom de Boca.
Esta foi outra cena divertida que começamos bem cedo
a explorar os personagens, e o mundo em que viviam.
Ele fica apertado na mesa de propósito porque ia acontecer um roubo,
e Beto estaria lá embaixo trocando o Zezé
enquanto as crianças lidam com os ladrões.
Depois a história mudou, mas, vendo bem,
a mesa continua apertada.
- E ele não fica apertado em alguma? - Ele é grande...
Disse bem. É.
Adoro Flecha nesta cena.
Sei que a cena, na superfície, é sobre Violeta,
mas Flecha curtindo a irmã esguichar daquele jeito.
Se olhar para ele,
verá que é o melhor momento do mundo para ele.
Brad sempre recorria à infância dele
e à relação que ele tinha com a irmã.
A direção dele era sempre exata e muito pessoal.
Esta cena é bem legal.
Nós começamos a ver New Urbem,
e parece bem diferente de Municiberg.
E tem um vapor subindo da cidade.
Parece Nova York, e é a primeira vez que vemos o Hipnotizador.
Tivemos várias alterações no design do Hipnotizador.
Ele ia ser um cara fortão.
Depois queríamos que fosse
o entregador de pizza,
só que ficou magro demais para lutar com Helena.
Foi divertido encontrá-Io
e encontrar alguém que pudesse irritar Helena,
mas também parece um cara normal de verdade.
Também foi divertido definir o equipamento do rosto dele.
Queríamos passar a sensação
de que ele falava sem ver a boca ou os olhos se mexerem.
Então dá para ver um leve movimento do maxilar
só para dar a ideia de que está falando.
É a primeira vez que esticamos Helena no filme.
Foi um teste para todos os animadores.
O que fizemos no primeiro filme deu muito certo.
Fui uma das minhas partes favoritas ao animar.
E aí você vê o que foi feito neste filme,
e eles aumentaram o nível imensamente.
Esta animação dela é espetacular.
Um pouco de tensão nos braços antes de ela ser lançada.
Parece a tensão de um elástico.
Este é um bom exemplo de algo esculpido
em que o JC Tran havia feito um traje de esquilo maravilhoso,
mas, para dar a sensação de que estava realmente ao vento,
tivemos que esculpir por cima.
Adoro como a iluminação é teatral
e como é gráfico, como vemos a silhueta do personagem.
Design de arte e iluminação belíssimos
que foram utilizados.
Alan, você trouxe algo inovador de Piper,
que foi ver a iluminação em contexto com a animação.
Isso muda como você analisa e olha para a animação
porque quando vemos a animação como algo iluminado por igual,
você não percebe aonde deve olhar
e pode perder muito tempo
tentando matizar algo que não importa para a cena.
Estava pensando nas discussões sobre como se entra numa sala.
Quando um ator entra numa sala iluminada,
ele age diferente de quando entra numa sala escura
onde tem medo do que está acontecendo.
Nesta cena em que Helena entra escondida,
houve muita discussão sobre o tipo de caminhar dela.
Chegamos a envolver os seguranças da Pixar nesta cena.
"O que você faria? Como agiria?
"Qual seu estilo de abordagem?"
Acho que o que definiu foi quando Brad disse:
"Os caras do SWAT fazem assim." E todo mundo começou...
Sequoia interrompeu e disse:
"Quando eu era policial e entrava numa sala assim..."
Todo mundo fez silêncio:
"Tudo bem. Vamos fazer como Sequoia disser."
-"Estamos ouvindo." -"E você que manda."
-"Você venceu." -"E com você."
Sequoia Blankenship é um dos animadores aqui
e ele era policial.
Acho que ele era policial militar no Texas.
É sempre incrível quando se trabalha com artistas
e se descobre o que mais faziam.
"Quando estava pilotando um avião
"e fiz um pouso de emergência..."
"Como é que é? Desculpa?"
Nesta cena na jaula,
Brad falava do filme Moscou Contra 007
com uma cena de trem em que a luta não era nada perfeita.
Tudo estava fora de sincronia, mas fazia parecer real,
turvo e feio, e parecia uma briga de rua.
E ele queria isso na cena.
Não fizemos um layout da cena.
Os animadores foram dando ideias.
Geralmente, fazemos o storyboard,
Layout pega e coloca os personagens,
fazem o trabalho de câmera, entregam para a Animação,
e fazemos a ação com as câmeras finais.
Nesta sequência da luta na jaula,
os animadores deram ideias ao Brad
de forma que criaram as próprias tomadas,
eles editavam no Presto.
Era um processo iterativo de pegar um bloco inteiro
e editar.
Brad fazia comentários.
Layout fazia comentários a respeito das câmeras,
pegando outro bloco e editando.
Nós todos nos unimos nesta cena
até ela ser o que é hoje.
É a cara do Brad. Ele havia feito no primeiro filme
na sequência da bola de gosma com Beto correndo,
onde, na verdade, animamos a cena em 3D.
Ele atirava ao redor na ação
e tentava achar o momento que estava legal.
Dá muito trabalho, e você entra nesses momentos
sem saber como vai ser, mas, no fim das contas,
você sente que tem uma determinação e uma urgência que se destacam.
Se pudéssemos fazer mais, provavelmente faríamos,
mas os animadores trabalharam durante vários meses.
Mostra o trabalho de Tim Pixton e Mikey Bidinger.
Ton, quer falar sobre o design do Beto
e como ele muda conforme ele fica mais cansado?
Pode falar.
Vai mexer com quem está quieto!
Brad disse que era para fazer Tony falar.
- Vai, Ton! - Você consegue.
- Do que ele está falando? - Do design.
Dá para ver a deterioração dele.
A maior parte é a sombra
para ele parecer exausto,
mas alteramos o modelo dele também.
Nós o deixamos com olheiras e tal.
- O cabelo está bagunçado. - O cabelo... É.
Esse nível de detalhes em que você vê o modelo mudar
é algo novo para esses personagens.
Não vimos isso no primeiro filme.
Beto realmente muda aqui.
Você vê algo que seria mais comum
num filme live-action normal.
Para um personagem de roupa, havia variações de molhado
e de vento,
e o tom escuro no rosto, como você disse, Tony,
para fazê-Io parecer mais cansado.
Acho que você disse antes.
A Violeta tinha três ou quatro estilos de cabelo,
mas isso aparece de forma orgânica no filme.
Havia muitas variações do modelo do Beto,
mas também acabamos iterando no carro,
apesar de não estar em muitas cenas.
Mas eles não tinham um LED interno,
a habilidade de animar as luzes,
e queríamos coisas específicas quanto a como seria erguido.
Parecia uma mecânica dos anos 60,
em vez de mecânica atual.
Então ficamos alterando o modelo do carro
até acertarmos a animação ali também.
Então improvisamos tudo aqui.
Tudo.
- Nada... - Não só os protagonistas.
- Tudo! - Tudo foi improvisado na Pixar.
É uma animação fantástica do Kevin O'Hara.
Ele foi bem fundo
e se conectou com a frustração e cansaço do Beto.
Ele procurou trechos antigos de filme
e desenhou a partir disso.
Ele criou uma especificidade incrível.
Eu adoro o contraste do movimento dele com as crianças imóveis,
completamente atônitas.
E você sente
que Beto está a ponto de explodir.
É uma atuação vigorosa e nova.
Nós ficamos animados ao ver na prévia.
Com ponto de exclamação no fim...
- É. -...enquanto ele cai na piscina.
Foi divertido definir o nível de água para isso.
Eu disse: "Zezé podia bater na água no fim."
Eu adoro que Flecha queira comemorar com Violeta,
tipo: "Que da hora!"
Violeta o deixa no vácuo. E um detalhe incrível
que você nota na segunda que vez que vê.
Temos um trecho do filme antigo.
É.
É legal falar sobre o Zezé demoníaco.
Foi um personagem interessante,
temos um personagem mudando de formato.
Boa parte da criação de um filme é:
"Isso é superlegal. Vamos fazer algo parecido.
"Como fazemos isso?"
A equipe de personagens tinha que construir designs bem específicos.
Havia dois modelos. Havia o modelo do bebê
que virava demônio, e o modelo demoníaco
que virava bebê.
Então tinha que transformar num quadro.
Adoro ver um detalhe de superpoder de forma bem casual,
como quando Gelado faz a bola de gelo para o Zezé.
É algo comum para ele. Ele convive com isso.
_E - Deixa o personagem mais real.
E é algo que se faz.
Damos às crianças algo para distraí-las
e para elas não chorarem, e é um gesto comum,
-mas aí tem o superpoder dele. - É.
A regra do Brad era que, em casa, agiriam assim,
por estarem à vontade, mas, em público,
talvez Flecha não saísse correndo.
Esta cena é bem engraçada.
Ela está no monitor, e Beto no carro.
É uma óptima referência ao primeiro filme.
Mas ele está tão acabado.
No último filme, é o oposto.
Ele aparece se achando
à procura de um traje novo.
Aqui ele está destruído e podemos ver Edna.
Edna é um personagem incrível,
com a voz do nosso destemido líder, Brad Bird.
As atuações dele são tão malucas!
Malucas, boas e engraçadas. Eu acho que...
É um dos meus personagens favoritos do filme.
Sem dúvidas. Eu adorei a justaposição deles.
- Ele está tão acabado. - É.
E ela está tão enojada dele,
e aquela fala sobre não ter o fardo
-de ser mãe... - E.
- É a cara dela. É perfeito. - Adoro que ela...
Adoro que ela dá bronca nele sobre como ser pai,
mas ela não tem filhos e diz:
-"Li a respeito e sei." - É.
Acho isso muito engraçado.
- Ela é especialista em tudo. - Tudo.
- Não importa o quê. - É.
Esta cena com Deavor e a multidão
foi um momento muito desafiador
porque todos estão segurando taças de champanhe, atuando,
tentando reagir e serem únicos.
Os designs únicos dos personagens de fundo
foram muito divertidos e desafiadores
porque nada foi de graça.
Na primeira versão dos personagens de fundo,
todos eram designs superlegais,
e aí você os coloca na cena e diz: "Meu Deus!
"Estão legais demais." Então é um processo de diluição,
tentar fazê-los combinar.
Surpreendentemente, é difícil
fazer vários personagens que não chamem a atenção,
mas se encaixem no mundo.
Fizemos umas três ou quatro versões
de personagens de fundo até acertarmos o design.
Adoro a animação da Voide.
É estranho e... É um grande exemplo
e uma lição sobre contacto visual
e como ele é importante
quando não se consegue olhar para a pessoa e falar com ela.
É uma óptima cena para estudar a dinâmica do poder na atuação.
- É. - Outra coisa legal.
Temos cinco personagens femininas importantes neste filme,
e todas são diferentes entre si.
Parecem diferentes, são pessoas diferentes,
elas se movem de maneira diferente, e é bem legal.
Eu não... Ficou legal. Eu não...
Não sabia como iria ficar.
Legal como fizeram o vídeo.
- Esta é a cena. - Veja só.
No caso do Beto e da Violeta,
muitas conversas sobre relaxar,
fazer diálogo sem exagerar na dicção.
Quando Beto olha para Violeta,
é um olhar que assume a culpa.
Se prestar atenção, ele não olha muito para ela
e, quando olha, é admissão de culpa.
Falamos muito: "Precisamos desse olhar?
"Precisamos desse gesto?"
A não ser que tenha uma óptima tese
sobre a necessidade do gesto.
- Exphque_ - Porquê?
Eu adoro o andamento desta cena.
- É. - Beto mostra vulnerabilidade
para Violeta, e ela se abre para ele
aos POUCOS .
Ela está muito brava com ele,
e a cena ficou tão boa que ela vai perdendo
um pouco da raiva conforme ele revela a dificuldade
e isso faz você sentir empatia pelos personagens.
O fato de Violeta tocar nele
e ser tão gentil com ele nesse momento...
Como pai, eu fiquei
emocionado ao assistir.
E também... Você ri
porque você fica tão cansado como pa¡
que você desmaia no fim do dia.
Essa cena diz tanto e foi muito bem feita.
Adoro cenas assim em que você brinca com o andamento.
Controlamos a energia cena a cena.
- É. - Muito neste filme...
Helena está animada e Beto desanimado.
Na cena seguinte, brincamos com isso.
Esta cena com Evelyn e Helena.
É uma óptima cena de gato e rato.
Mais um exemplo de uma atuação incrível
em que, à segunda vista, você começa a ver...
- As dicas. - É, as dicas.
E estão especificamente aí, pois ao assistir de novo,
você começa a ver que Evelyn, tipo:
"Ela está começando a sacar o que está acontecendo."
Nós, os animadores, sabíamos que Evelyn é a vilã,
mas, ao animá-Ia, tínhamos que tomar cuidado
para não deixar escapar.
Essa foi a graça.
Ela diz: "Espere aí. O que está vendo?"
E, por dentro, ela está pensando,
"Droga. Ela me pegou."
E ela interpreta essa dualidade
de ser amiga da Helena,
mas, por dentro, ela pensa, "Ela está prestes a me descobrir."
Acho que isso foi muito...
Como vocês dizem, a graça são as camadas da cena.
Na primeira camada,
você pensa, "Duas amigas tentando resolver algo juntas."
Já na segunda, principalmente nesta cena,
você começa a ver que ela está preocupada
e pensa: "Ela vai descobrir agora." Você consegue ver que ela sabe
que vai ter que tomar uma atitude.
Temos o Jonny Quest na TV.
Brad adora o Jonny Quest.
Muito do design tem origem
em quando ele viu Jonny Quest na infância.
Acho que é uma óptima homenagem
para ele pôr no filme.
Eu pensei: "Será que fica
-"até a versão final?" - Eu fiquei preocupada.
Ia ser temporário e...
- É. - Foi legal
-que conseguiu ficar até o fim. - É.
Nós falamos antes
sobre como andar em direção à câmera
-é difícil.
Melhor não chamar atenção para isso.
Lembro que no primeiro filme,
acho que tinha uma cena andando num corredor na casa da Edna,
e todos tentamos fazer.
- Ficou ótimo. - E a justaposição
entre os passos do Beto
-com os da Edna. - É.
Na mesma cena, um ao lado do outro.
Tivemos que aumentar o corredor.
Eles estavam andando devagar demais
e eles voltavam lá para trás, mas: "Espere aí!
"Dá para ver que estão voltando."
- Passaram por esse traje quatro vezes. - Exato.
Brad sempre fala que o Zezé pode roubar a cena.
As cenas com ele são ótimas, mas são um desafio
para o animador não deixá-Io roubar a cena
e fazer algo que não distraia o espectador.
É ótimo revisitar esse cenário e pôr o Zezé Iá.
O que me impressiona a respeito do Brad neste mundo,
é, tipo: "É, vamos pôr fogo no bebê.
"É, o bebê vai lutar com um guaxinim."
Ele vai aonde as pessoas diriam: "Você não pode fazer isso."
Ele diz: "Olhem." É engraçado e divertido.
Ele faz e essa é a graça.
Ele não tem medo.
Adoro que o Zezé
incorpora todas as coisas
que realmente acontecem com um bebê, sabe?
Parece que realmente...
Quando eles fazem manha,
-é a incorporação disso. - Eles são diabinhos.
- São verdadeiros demônios em casa. - É.
- Quando nascem os dentes, é assim. - Eles parecem virar
bebês-gosma e escapar das suas mãos,
-ou viram 10 bebês. - É.
É uma metáfora.
Foi uma cena muito complicada
com os efeitos do Zezé.
Ao pegar fogo...
Quando o fogo era apagado.
Foi preciso muita especificidade.
Por exemplo, com a espuma de lavanda,
não podia parecer um produto pronto,
mas precisava chamar a atenção e ter a textura certa.
Acho que a atuação nesse momento
em que a espuma aparece, e ele começa a comer, feliz,
e fica girando.
Tivemos uma óptima reação nas prévias.
E ver o Zezé perceber
que o gosto é bom...
Isso é engraçado.
É essencial na animação, sabe?
A interação com os Efeitos e a Animação
para tentar obter o detalhe exato para parecer real, divertido
-e capaz de apagar o fogo... - É.
...foi algo difícil, mas muito divertido.
Esta sequência se chama Sala Fria.
Houve muitos detalhes nesta sequência.
Durante a animação,
tentamos ver como seria a coisa que a prende,
como pode segurá-Ia se ela estica?
No início, ela se esticava em direção a uma porta.
Não sabíamos o que era, e aí demos a sugestão:
"Ela pode esticar em direção ao rosto?"
Ela não consegue, senão ela quebra.
Acho que a restrição foi refeita durante a animação.
- Foi, sim. - Estávamos vendo
como evitar...
Com base na atuação necessária,
nós refizemos isso.
Sempre queremos que o personagem cresça
e tenha problemas, mas é a primeira vez
que conhecemos as fraquezas da Mulher-Elástica.
O frio pode machucá-Ia.
Eles começam a progredir com a vulnerabilidade dos personagens.
É um momento ótimo
em que Evelyn deixa tudo às claras.
O fato de ela ser tão arrogante ao saber
que controla Helena agora
é fantástico.
E tem uma mudança sutil no figurino.
Conforme Evelyn se expõe cada vez mais
como vilã,
o figurino fica mais complexo,
-e combina... - Ótica. Com o do Hipnotizador.
Do Hipnotizador. Exato.
- Adoro isso. - É.
Todos queremos nos vestir como ela.
É verdade.
Esta cena com o reflexo da Evelyn
inicia pela parte de trás da cabeça, vemos o rosto e depois vemos Helena,
do ponto de vista de cineasta, é tão legal ver uma tomada dessa,
onde se tem vários planos de profundidade,
uma tomada emocional rolando.
Brad manda muito bem na hora de acrescentar informações.
Dá ao filme um nível de sofisticação e um nível cinemático.
Isso nos anima ao trabalhar nesses filmes
porque Brad tem uma linguagem cinematográfica.
E, novamente, falar sobre profundidade de personagem com Evelyn...
Neste momento, ela está com uma raiva extrema,
mas sem exagerar, e mantém a tragédia
dos pais delas serem mortos, que é a força matriz
por trás de todas as ações dela.
Se tivéssemos exagerado na teatralidade,
acho que teríamos perdido a emoção interna dela.
Agora temos a cena
que Beto começa a se tornar pai.
Ele está curtindo as crianças,
está aceitando o caos.
- Está dormindo. - Fez a barba.
- Está com a camisa para dentro. - É.
A cena aqui em que: "Não atirem com o bebê", sabe?
Acho que foi uma das últimas cenas que fizemos.
É uma revelação divertida porque é o cotidiano.
O que não se pode fazer com um bebê?
- Certamente atirar com ele. - É.
Os biscoitos do saguão da Pixar.
Acho que usaram de modelo para este biscoito.
Houve muita discussão sobre o telefone e como funcionaria.
Ele tem flipe? Tem discador?
É só tirar do gancho? Tem coisa debaixo?
Houve tanta conversa chata sobre isso,
e, no fim, ele abre uma tampa
e finge que aperta botões.
O estilo e design do filme tem que ser descolado.
E Gelado atende imediatamente.
Ele está do lado do telefone:"Pronto?"
Eu adoro o design do puxador das gavetas.
- Adoraria morar... - Pois é!
- A casa criada pelo Ralph... - Nossa!
- Ralph, crie minha casa. - Por favor.
Demoramos muito no giro de cabeça para ficar direitinho.
- É. - Nem sei o que é essa coruja.
- Fator bizarro. - É.
Eu adoro Gelado.
- Ele é tão legal. - Acho que...
É legal demais.
É o personagem que todo animador pede.
Adoro a revelação, ele se escondendo atrás dela.
A história deles
é que ela é a repórter que o entrevistou
e agora estão tomando vinho juntos.
Esta cena, Ataque à Casa,
foi uma das mais complicadas do filme
ao tentar fazer tudo que acontece na cena.
Onde deixar gelo, onde deixar lava,
como quebrar a janela. Parecia um cubo mágico
ao tentar resolver tudo isso junto.
As decisões de composição do Brad
a respeito de qual informação o espectador terá
e quando, para poder acompanhar, mas sem perder o ritmo.
Trabalhamos duro na aparência dos raios saindo do Helectrix.
Várias sobreposições em 2D para obter o design
e depois os Efeitos assumiram.
Acho que arrasaram. Adoro a aparência do raio.
Este momento do filme foi reanimado várias vezes.
Como pegar o Gelado
e depois como ele ia escapar, e essa interação.
Só de definir a coreografia,
-foi difícil. - Para ter as partes
que funcionam na história, precisamos que algo aconteça,
mas também é preciso que seja verossímil
e que faça sentido Gelado ficar preso Iá.
E por que ele não usa os superpoderes?
É. Exatamente.
Acho que esta cena é um verdadeiro estudo
sobre excelência em combate em animação.
Don Crum fez um trabalho espetacular.
A iluminação e o drama da cena.
Ver Beto e Helena lutarem...
Você quer saber quem vai vencer.
- Obviamente Helena. - Estragou tudo.
- Spoilerl - Eles já viram.
Acho que responde a pergunta dos fãs.
Se Beto e Helena Iutassem, quem venceria?
Helena.
Nesta cena, com Beto recebe os óculos,
tecnicamente, o modelo é uma versão do esboço
por cima do trabalho do animador.
O animador que trabalhava com Alonso, o escultor,
acrescentou na animação.
Não está nas outras tomadas.
É especificamente para esta.
Esse é outro momento que não se vê por aí,
uma criança de 13 anos dirigindo um carro.
São momentos do filme que o tornam incrível.
Conversamos muito sobre esta cena
com o Zezé fazendo... Como é que chamam?
Se um pum fosse uma transformação astral?
Como Brad chamava?
Os detalhes de como o Zezé coloca a máscara
e não está certo.
É fácil colocar da forma certa,
mas criar uma camada para uma criança dessa idade...
Estamos entrando no conflito do terceiro ato.
O bicho começa a pegar agora.
Melhor falar mais rápido agora.
- Só assim para fazer. - E muito intenso.
Quem não quer ter um carro que vira barco?
Era meu sonho desde sempre.
É o carro do James Bond em 007 contra o Foguete da Morte?
Era o Lotus que virava...
Que virava barco?
Eu tive um de brinquedo quando era criança.
De novo, o problema da física da animação
que é descobrir a velocidade do navio gigante, o Hydroliner,
em comparação à velocidade do carro e como eles reagem à água.
Foi um vaivém divertido com Efeitos.
É. "Divertido".
Essa é uma visão.
Outra é que passamos três meses
pensando em como fazer um navio de 180 metros
parecer que está se movendo numa velocidade perigosa.
Se for rápido demais,
parece que é minúsculo,
e se ficar lento,
a ação perde a empolgação.
Já vimos a bolha de proteção da Violeta no filme várias vezes,
e foi muito divertido
tentar descobrir onde paramos no primeiro filme.
Ao longo do filme, a ideia era de que ela ficasse mais forte.
Ela consegue fazer cada vez mais.
Quanto aos personagens de fundo nesta cena,
tivemos muitas conversas:
"Eles se encaixam no mundo de Os Incríveis,
"parecem super-heróis,
"mas o design não é tão bom para não tirar a atenção
"dos outros personagens..."
É. Com certeza.
Há 33 personagens nestas cenas.
Quando você junta todos, é, tipo:
"É um personagem que talvez chame demais a atenção."
- Como o Cara de Batata? - É.
Ele basicamente se parecia com uma batata,
e você olhava para ele em todas as cenas.
"Lá está ele."
Qual a velocidade aqui, Bret? Uns 600 km/h?
Não, chegamos a quase 1.000 km/h.
- Mesmo nas cenas iniciais? Tudo bem. - É.
O barco está indo bem mais rápido que o normal.
Adoro essa escolha de mostrar apenas a mão.
É. A cabeça e a mão.
Ótima ênfase da irmã mandando nele.
Esta tomada ficou assim. Ficou legal.
Você não sabe, mas esta cena levou
uns três ou quatro meses...
Era eterna.
Pensei que seria a última cena a ser animada para o filme.
Adoro a clareza da disposição nesta parte do filme.
Tem tanta ação e tanto para controlar,
e Brad é ótimo em dirigir para que tudo fique claro.
Trabalhamos incessantemente sobre todas essas cenas
para garantir que a ação ficasse clara.
Foi legal mover numa velocidade perigosa,
mas você se sente um cineasta guerrilheiro.
Tem as prévias, edita quadros das versões,
combina tomadas,
altera a câmera com o Departamento de Layout,
e é divertido.
Parece um filme independente num estúdio gigantesco.
No caso deste filme,
todos trabalham juntos para fazer um filme,
todo departamento é representado.
Gera um caos, que chega a ser lindo.
É doloroso e difícil,
mas está resolvendo problemas na hora.
O Layout faz uma versão, junto com a Animação,
junto com o Figurino,
junto com a Iluminação.
Todos fazemos de uma vez.
Acho que o CG está num bom ponto
em que não é tão difícil tecnicamente
que impeça você de trabalhar com outros grupos
e acaba criando essa colagem, essa forma livre,
onde uma cena fica boa
por causa de um grande efeito ou uma alteração na luz.
A sofisticação de um diretor como Brad
que consegue brincar com isso na animação,
acrescenta ao estilo cinematográfico.
Quanto mais virmos isso,
mais estilos únicos de outros diretores vamos ver.
É interessante quando a Embaixadora passa pela Helena,
ela acena para ela, e Helena não reage,
e ela pensa: "Espere aí. O que..."
Ela olha para trás e pensa: "Qual seu problema?"
A animação estava assim na prévia, e Brad não viu na primeira vez,
e ele sempre vê desde a primeira vez,
mas ele não reparou e, na segunda vez, perguntou:
"Ela olhou para trás?"
Todo mundo caiu na risada, foi hilário.
E tem um bebê em chamas.
Não sabia que podia pôr fogo em bebês na Pixar,
-mas está aí. - Só se puder apagá-Io.
- Tem que apagar. - Aí pode.
- Ele controla. - É_
Parte do problema de deixar o Zezé em chamas
era mostrar que o fogo vinha da raiva
e que ele não sentia dor nem se machucava.
Contanto que mostrássemos que ele controlava,
iríamos poder deixá-Io pegar fogo.
Bebezão.
Esse modelo ficou pronto bem rápido,
em um mês ou algo assim,
depois teve bastante desenho por cima para aprimorar.
Na cena que o Zezé atravessa a parede,
conversamos bastante sobre como fazer isso.
Inicialmente, era uma tomada estática,
e depois Brad quis revelar, então fizemos a panorâmica.
Depois tivemos que voltar antes de seguir e...
Ficou uma cena bem complicada
para fazer as camadas do Zezé sendo reveladas
conforme ele encolhia e atravessava as paredes.
Só funcionou quando entrou a iluminação
porque fazia parte da revelação.
Precisava da fumaça e da iluminação
antes de dar certo.
No fim, você olha e diz:
-"É uma cena simples. Funciona." - É.
Muito do filme acontece nas telas dentro do filme,
que é só mais uma camada de complexidade.
Quanto sua equipe fez de animação extra?
- Foram doze minutos? - Foi por aí.
- Só em telas de TV. - É.
Tudo picture-in-picture. Foram doze minutos de PIPs.
Queria uma camiseta escrito "PIP Faltando".
Foi interessante passar do Chad sendo hipnotizado
para quando os heróis principais foram hipnotizados.
Fisicamente, eles tinham que fazer muita coisa,
mas precisávamos saber que era Evelyn no comando.
E que não estavam atacando as pessoas no navio
nem os próprios filhos por vontade própria.
E quando o Zezé tira os óculos da Helena,
é possível vê-Ia rapidamente voltar a si.
Tem tantos detalhes
acontecendo em sequência,
que queremos que fiquem bem nítidos.
Quando Helena tira a máscara do Gelado,
e derruba Beto, e ele rasga a roupa dela,
tentamos fazer com que essas ações
que estão em sequência
aconteçam de forma clara para que o espectador entenda.
Brad incentivou muito a equipe neste momento do filme,
enquanto acertávamos os detalhes, como Dave disse,
e deixar tudo claro e rápido.
Quando possível, cortávamos quadros para manter a intensidade.
Esta luta foi incrivelmente complexa.
Havia tantos aspectos para ver ao mesmo tempo.
Foi preciso muita delegação.
O interessante de alguns dos melhores diretores
é que quanto mais experientes, mais talentosos,
mais responsabilidade eles deixam aos artistas.
É preciso porque é muito complexo.
Tem efeitos por cima da animação, por cima de outros efeitos.
Veja esta cena.
É loucura.
Tem lava, um campo de força, gelo.
Nós trabalhamos juntos,
e ele teve que confiar em nós para resolver tudo.
Nosso trabalho como líderes era confiar nos artistas que apoiamos.
É como voltar à escola para todos
e aprender continuamente com a experiência incrível do Brad.
Você percebe que não faz parte de uma indústria,
e sim de uma arte.
É um artista compartilhando informações que recebeu.
Fico grato pelo Brad se preocupar com isso.
O legal do terceiro ato é que tem muita ação paralela.
Você acompanha o que acontece com Deavor,
com os super-heróis
e com as crianças.
Tem muitas coisas acontecendo juntas.
Conforme as cenas chegam no nosso departamento na Animação,
às vezes, trabalhamos apenas com parte da informação.
Helena e Evelyn estão lutando no jato,
mas não temos os cortes.
Tentamos revisar o trabalho ao máximo,
mas nem sempre é possível, então é preciso confiar muito no Brad
e saber como vão ser os cortes
para construir a tensão.
Ele faz isso muito nos filmes.
Essa sensação de ação paralela,
onde várias coisas vão sendo construídas ao mesmo tempo,
passa uma sensação de empolgação.
É difícil para o animador trabalhar isso
quando você não sabe os cortes de cena
pois ainda tem partes sendo escritas.
Esta cena que estamos vendo
com ela passando por esses portais,
é tão complicado criar essas coisas
e cortar de uma tomada para outra.
Quando movíamos os portais, era uma conversa contínua.
Nada ficava certo enquanto não funcionasse.
Podíamos estar nas versões digitais, que é um processo final do filme,
e dizer:
"Ainda não deu certo.
"Precisamos consertar."
Tomara que não precise fazer porque é caro demais,
mas fizemos no final, e foi divertido.
Falamos muito sobre o avião.
"Quando você puxa o manche, quanto tempo leva para o avião subir?"
Nós tentamos prestar atenção na física disso.
Enquanto há a oportunidade aí,
acho que um diretor inexperiente aceleraria as cenas,
o modo como o avião vira,
não é muita informação, por que não dobrar a velocidade?
Mas acredito realmente que você gosta dos personagens
porque Brad mostrou o avião sem pressa,
para sentir o puxão do manche e a intensidade da situação
em vez de pular isso e deixar cartunesco.
Era nossa maior preocupação.
Nesta cena, Violeta conversa com Beto sem pressa.
Brad faz uma pausa no meio de uma cena de ação
para criar uma parte emocional,
onde você pode parar um segundo
e se reconectar com os personagens e a preocupação deles,
e a emoção real por trás disso.
É um filme sobre família,
e é por isso que todos trabalhamos ao redor disso.
Falamos muito sobre hipóxia e seus efeitos.
- E o que é e como se escreve. - O que é.
Ela faz passar mal em questão de segundos.
Você pode sofrer hipóxia se faltar oxigênio no compartimento.
Oxigênio e pressão atmosférica, certo?
São os dois.
Não sei se passei nessa aula para ser sincero.
Ainda não sei escrever.
Você aprende tanto fazendo um filme.
Chega uma hora que os especialistas dizem:
-"Veja com aquela pessoa." - Você pergunta: "Isso existe?"
-"Sabe pilotar?" -"Como funciona?"
Em segundos, você fica com hipóxia.
-"Alguém sabe certamente." - Na Wikipédia... É.
Você se sente eufórico, meio bêbado quando...
Acho que se a pressão cai de repente
e não tem oxigênio suficiente no ar,
parece que você está embriagado.
É uma cena interessante por Helena estar tão perto de Evelyn
e poder acabar com ela,
mas ela está tão perto e longe ao mesmo tempo.
É tão frustrante de várias formas
que ela não consegue se concentrar em derrotá-Ia.
No último momento, ela reúne forças para derrotar.
Agora que o oxigênio volta, ela recobra a consciência.
"Venham."
Uma das minhas cenas favoritas do filme inteiro.
- Nós sempre ríamos. - Toda vez.
"Venham."
É engraçado como algumas cenas não funcionam nas prévias,
você acha que não funcionarão no cinema,
mas se animadores cansados riem de manhã, ela está boa.
Brad sempre falava disso.
Você fica animado com uma ideia, e as pessoas riem.
Um mês depois, ninguém mais ri.
Você fica mudando a ideia sem parar.
"Ainda é engraçado?"
"Foi engraçado nas primeiras 10 vezes em que viu, e ainda é.
"É que você viu 100 vezes."
Sempre confiávamos na primeira risada.
Se funciona, vamos manter.
Conforme eles se aproximam da cidade,
dá para ver a velocidade em que eles vão.
Quase 1.000 km/h.
Em mar aberto,
é difícil perceber sem ter algo em volta
a velocidade.
Nós até colocamos um barquinho extra
para o Hydroliner ultrapassar, só para criar esse contexto.
Não sabia que Gelado era tão poderoso,
mas, nossa, ele é superpoderoso.
- Olha só! - Adorei.
- Os efeitos roubam a cena. - Adorei.
- É. - Ficou demais.
Foi feito em conjunto com a Animação e Efeitos.
Foi um departamento inteiro para fazer esse efeito funcionar.
Esta última tomada, por exemplo, não tinha neve,
mas Brad queria que o foco ficasse na Helena,
mas todos personagens estão em cena.
Teríamos que fazer um close-up,
mas eles tiveram a grande ideia de usar neve
e ajudar a ajustar a posição.
- A ideia não foi sua? - Acho que foi de todos.
"Eles tiveram a ideia." Foi sua.
O cabelo da Helena está um pouco bagunçado.
Tínhamos uma versão que estava uma loucura
e dissemos: "Ficou exagerado. Vamos com o outro modelo."
Talvez não perceba da primeira vez,
mas Zezé está imitando Deavor e o que ele faz.
Eu adoro isso
porque, nessa idade, os bebês imitam tudo que veem.
Como Deavor está saindo assim de boa?
Acho que devia ser preso. A polícia devia pegá-Io.
Queria que ele pegasse a chave do carro...
E trancasse o barco que deixou na cidade.
- Se prestar atenção... - Prêmio de motorista babaca.
Tommy, o motorista, está esperando por ele lá atrás.
- É mesmo. - E mesmo.
Ele o tira de Iá.
Adoro este juiz.
Quero ir à casa dele e...
- Tomar chá? - Jantar ou algo assim.
- Você tem chance. - É.
"Poxa. Não precisa correr
A escolha de não ter multidão, Brad,
criou uma cena forte para os personagens.
É sábado, depois da detenção.
- É a casa antiga dos Incríveis. - É.
Antes eles tinham uma casa diferente.
Era linda por dentro. Acredite.
Esta cena mostra o nível de detalhes,
o jeito como todos interagem um com o outro,
como eles encostam bastante um no outro.
Só os detalhes do carro.
O carro chacoalha na rua.
Dá a sensação de que eles estão Iá.
São personagens reais, você acredita neles,
fez essa jornada com eles.
Adoro a atenção aos detalhes dos animadores em nossos filmes,
e o nível de encanto que criam nos personagens é fantástico.
- A cara do Beto. - Momento pai.
Está escrito "A-113"? Está, sim.
Quando você viu esta cena pela primeira vez, Dave,
você disse: "Esperem. A multidão parece que está com medo."
Eu disse: "É. Acabou de acontecer um tiroteio na frente deles."
Eu vi a cena preliminar.
Não tinha a polícia e os ladrões.
Eu perguntei: "As pessoas no fundo estão assustadas?"
A Bret disse: "CIaro! Tem ladrões!"
- Eu disse: "É mesmo." - Sucesso.
Obrigado por avisar, Bret. Foi incrível.
De nada.
- Os créditos ficaram óptimos. - É.
- Andy Jimenez. - Parabéns para Andy Jimenez,
que arrasou nos créditos iniciais e finais.
- Brad Bird foi o diretor. - É.
- E... - Comentários dos créditos...
John Walker e Nicole Paradis Grindle foram os produtores.
- Pior comentário do mundo. - É.
- O que podemos dizer? - Como se termina?
Nos divertimos muito com este filme.
Estão prontos para Os Incríveis 3?
Um por década...
- Um Os Incríveis por década? - Vamos estar mais velhos.
Até 2020, vamos ter que fazer outro filme.
É preciso ganhar experiência
para fazer outro filme do Brad Bird.
- Temos muita lição de casa. - É.
Para ficarmos prontos para o próximo.
Os nomes parecem um anuário.
Agora me sinto culpado por não termos mencionado todos.
Essas pessoas foram realmente muito importantes.
Se fossem outras pessoas,
teríamos um resultado diferente.
Um filme é uma experiência
de um grupo de pessoas que se reúne, cria algo
e produzem algo único.
Você disse algo legal na festa de encerramento:
"Não é sempre que se tem filmes assim."
Fazê-Io com vocês, com esta equipe neste estúdio,
-é especial. - E.
Se é para guardar no álbum da vida,
-é uma boa recordação. - Concordo.
Na infância, você vê um filme,
e não se imagina fazendo parte disso.
Só quase nos créditos que você pensa,
"Como isso acontece?
"Como se faz parte disso?"
- É. - É.
Muita gente neste filme dizia:
"Eu cresci vendo..." Faz você se sentir velho, mas...
"Eu vi Os Incríveis quando era criança.
"Jurei que iria trabalhar em Os Incríveis um dia."
Eles compartilhavam tudo.
Abriam o coração. Foi uma grande experiência.
Somos como as poucas pessoas no fim do filme
quando você vai ao cinema
que ficam vendo os créditos e não levantam.
"Conheço essa pessoa. Meu Deus! Essa também!"
- Geralmente é minha mãe. -"EIe mandou muito bem."
Minha mãe fica durante os créditos e, quando aparece meu nome, ela diz:
"É meu filho! David Mullins.
"O nome do meu filho é David Harless Mullins II."
- Ela se transforma... - Numa avó judia.
Ela vai com a camiseta, fica de pé na frente do cinema
e diz: "Meu filho, David Mullins, trabalhou neste filme.
"Uma função superimportante."
Todo mundo em Winchester, Virgínia, sabe que...
- Que você trabalhou no filme. - Seja qual for.
É.
Obrigado por ouvir nossa falação
sobre animação e produção de Os Incríveis 2.
- Obrigado por nos aguentar. - Pois é!
Nós nos divertimos muito.
Para vocês, alunos de animação, nosso conselho principal
é dizer que nunca é fácil,
mas se persistir, fazer de coração
e trabalhar duro, você chega Iá.
Nos vemos em Os Incríveis 3, e vocês poderão nos ensinar.
- É. - É.
Vou tentar manter o ritmo de vocês.
Bret, faça um pouquinho da Kari.
- É. - Só um pouco.
Estamos aqui com a Kari.
Caso não saibam, Bret Parker fez a voz da Kari,
a babá no primeiro filme.
O que Kari acha de ter feito Os Incríveis 2?
Vamos ver.
Kari não se preocupa com nada.
Ela aceita as coisas como vêm.
Não aguento. É tão bom!
Onde vocês vão vê-Ia da próxima vez?
O que acha de um papel grande no terceiro filme?
É o programa da Kari.
Ela pode fazer todas as entrevistas agora.
Vamos refazer o comentário...
- Vai ter que fazer com a voz dela. - Da Kari.
Da perspectiva dela.
Acho esta cena errada porque Kari não participa.
- Ela tinha que estar lá sendo babá. - É.
Ela é muito preparada.
Ela tem CDs e certificados.
Voltar ao trabalho sério dela.
Exatamente.